Auf dünnem Eis

Von der Bühne aus schauen Karine (Katharina Hauer) und Didier (Hans Lagers) in den Zuschauerraum. Dort steht ein imaginärer Fernseher, auf dem gerade der Schlussroller von “Die Brücken am Fluß” einen gemütlichen Fernsehabend beendet. Im Publikum jedoch hatten viele den Eindruck, nicht auf eine Bühne, sondern in einen Spiegel zu schauen. Dem französischen Autor Eric Assous gelingt es in seinem Kammerspiel “Auf dünnem Eis” mit allzu vertrauten Dialogen zu fesseln. Immer wieder meint man, sich selbst zu erkennen und beinahe möchte man so manche Passagen mitsprechen. Der Text scheint bekannt.

Auf der Bühne tut sich nicht viel, aber es geht um viel. Bist du glücklich? Das ist die simple Frage, die irgendwann kurz vor Mitternacht die Ehe von Karine und Didier ins Wanken bringt. Katharina Hauer und Hans Lagers schaffen es in den folgenden 90 Minuten von ihrem Fernsehsofa aus ihr Publikum in den Bann zu ziehen und auf eine Wanderung durch Höhen und Tiefen einer Beziehung mitzunehmen. Lacht man anfangs noch herzhaft, weil man sich selber in den Klischees immer wieder entdeckt, wird es rasch ernster und ernster.

Doch was ist dieses "Glück"? Didier hat darauf keine schnelle Antwort. Karine meint, das Glück eher wo anders, als im Vertrauten suchen zu müssen: im Neuen, im Unbekannten, vielleicht in einem neuen Mann? Je länger man über das Bekannte nachdenkt, um so mehr Dinge entdeckt man, die stören, die falsch laufen und alles andere als perfekt scheinen. Eine Erfahrung die viele Teilen.

“Auf dünnem Eis” zeigt, dass so manche und mancher mit Wunsch und Wirklichkeit nicht alleine ist. In der Produktion des ArteFaktum Kulturverein unter der Regie von Martin Ratzinger geht das Publikum intensiv mit. Es wird gelacht, gewispert, verständnisvoll genickt und geklatscht. Man spürt, wie es die Leute im Kellersaal des Cafe Prückls nicht kalt lässt, wie aus einem gemütlichen Fernsehabend eine existentiellen Krise wird. Und man ist live dabei, so wie im eigenen Leben. Das Dialogbuch scheint daher den meisten bereits hinlänglich bekannt zu sein, und dennoch ändert sich nach all dem Drama erstaunlich wenig. Vielleicht ist genau das, das Glück? Und glücklich sein heißt, trotz allem mit Vertrauten beim Vertrauten bleiben?

Für alle die es nicht scheuen, in den eigenen Spiegel zu schauen und den Mut aufbringen, die Frage nach dem Glück zu stellen, sei diese Produktion wärmstens empfohlen. Die nächsten Aufführungen gibt es im Stadttheater Bruck an der Leitha, am Samstag den 28. März um 19.30 Uhr und am Sonntag 20. März um 18.00 Uhr.

PS: Katharina Hauer wird auch bei frauJEDERmann im September 2020 in Rodaun zu sehen sein.

Dies Irae - Tag des Zorns

Selten hat man sich ein Ende so sehr herbeigesehnt, wie in der Burgtheaterproduktion “Dies Irae - Tag des Zorns”, denn das Ende kommt und kommt nicht. Ständig wird vom drohenden Untergang gesprochen, doch es dauert dann zwei lange Stunden, bis der Vorhang endlich fällt. Alexander Kerlin, Kay Vores und Paul Wallfisch haben eine Rockoper geschaffen, in der es um den Moment zwischen Sein und Nicht-Sein geht, um die Sekunde vor dem Aufprall. In der Theorie scheinen sich die drei Künstler das sehr gut ausgedacht zu haben. Als Zutaten für ihren Opus haben sie spannende Zitate und kurze Texte quer durch die Menschheitsgeschichte ausgewählt und alles mit eindringlicher Musik unterlegt.

Auch mit Symbolik haben sie nicht gespart. Die ganze Bühne dreht sich unaufhörlich, wie das Rad der Zeit. Schauspielerinnen und Schauspieler müssen sich in ihren Figuren durch den sich bewegenden Raum kämpfen. Und bei jeder Umrundung spült die Bühne neue Gestalten und Symbole ins Publikum. Ein sich geißelnder Mann, Soldaten, ein Gefangener mit Sack über dem Kopf, ein Ministrant mit Weihrauchfass. Es scheint, dass auf dieser Bühne alles Platz gefunden hat, was bei einem Rundgang durch den Fundus der Bundestheater nicht niet- und nagelfest war. Man möchte aber den Produzenten nicht Willkür unterstellen.

Sicherlich steckt viel Diskussion und Überlegung in der Wahl der Symbole und der Gliederung der Texte. Dem Zuschauer erschließt sich das im Moment des Vorbeischwappens aber nicht. Doch damit nicht genug. Die rotierende Bühne muss zusätzlich noch fast alles aufnehmen, was im modernen Theater seit fünfzehn Jahren hipp ist. Sänger, Musiker, Blut, nackte Haut, Videokameras und vor allem Leinwände. Auf drei Leinwände wird ununterbrochen live projiziert, was sich an verborgenen Winkeln der Bühne gerade ereignet. Ein Overkill an Eindrücken! Selbst an Second-Screens gewöhnte moderne Medienjunkies sind, ob der multimedialen Fülle, vermutlich schnell an ihren Grenzen.
Dabei würde das Thema doch gerade jetzt gut passen - Wirtschaftskrise, Glaubenskrise, Klimakrise, es geht spürbar bergab. Aber war das nicht immer schon so? Zeichen für den Weltuntergang, mit ihren dazugehörigen Propheten, gab es in allen Zeiten. Vielleicht braucht es das Angesicht des Endes, um im Jetzt gut zu leben?
Für sich alleine sind die einzelnen Teile von Dies Irae durchaus interessant inszeniert, bedacht und umgesetzt. In der Summe erschlägt das Werk aber nach kürzester Zeit. Und die Dramaturgie setzt noch eins drauf! Zum Beispiel scheinen die drei Videoscreens nicht zu reichen und es wird eine weitere Videoprojektion additiv über die ganze Bühne gelegt. Spätestens jetzt verliert man im Publikum die Orientierung und die elektronische Verstärkung der Stimmen macht es einem gar nicht leicht zu erkennen, wo denn die Figur steht, die gerade spricht und agiert. Die Lichtregie ist dabei auch keine Hilfe und fokussiert so gut wie nie. Schlecht zu lesen sind auch die gelben Schriften in den Videos. Die Asynchronität von Bild und Ton durch die Liveschnitt-Verzögerung ist ein weiterer Ablenkungsmoment. Überforderung. Überforderung. Überforderung!
Nach kurzer Zeit sieht man sich im Publikum selbst als die Figur, die in der anfänglichen Filmmontage durch den Raum auf ihr Ende stürzt: Orientierungslos, ausgeliefert und kurz vor dem ultimativen Sinnes-Crash. Hier lenkt alles voneinander ab. Und in dem Moment, wo man sich dem Rausch der Sinne versucht hinzugeben, sich nicht mehr um Verstehen, sondern Empfinden bemüht, kommt dann das erlösendes Ende. Die Gestalter haben zu viel gewollt, ins Volle gegriffen und damit leider nur wenig erreicht. Diesmal keine Empfehlung.

Messias

Die Menschen nennen ihn al-Masih (Messias) und Schauspieler Mehdi Dehbi muss als solcher hauptsächlich etwas abwesend in einer Mischung aus streng und gütig durch die Menschen durchblicken. Dabei kommt bei jedem etwas verdrängtes und versperrtes zum Vorschein. Al-Masih gibt auf Fragen kaum Antworten, zeigt keine Wege, sondern gibt die Fragen zurück und bietet Spiegelfläche. Eine Art von “Dialog”, der auch nerven kann. Wer mag schon gerne durchschaut werden?

Dennoch, in der Netflix-Serie Messiah findet al-Masih rasch Anhänger, egal wo er hinkommt. Wie Jesus, in der Vorstellung der Schlafzimmerbilder der Urgroßeltern, wandelt er mit langem Haaren und wohl gestutztem Bart, von Syrien über Israel bis nach Texas, um schließlich in Washington DC zu landen. Ihm dabei zuzusehen, zieht durchaus in den Bann. Aber lässt er sich dabei alleine durch Gottvertrauen leiten?

Serienschöpfer Michael Petroni ist es gut gelungen religiöse Verhaltensmuster, Messiasvorstellungen, Religionskritik und Wunderglaube in einer spannenden Handlung gut zu verweben. Das gelingt vor allem auch wegen Michelle Monaghan, die als CIA-Agentin Eva Geller alles daran setzt, die wahren Motive des al-Masih aufzudecken. Und dann gibt es noch Tomer Sisley, der als Aviram im Sold des israelischen Geheimdienstes die “Schmutzarbeit” erledigt. Aus all den Zutaten entsteht ein spannender Thriller, der je nach Blickwinkel göttliches Spiel oder ein perfider, von langer Hand geplanter Umsturz ist.

Wer ist also dieser al-Masih? Was ist, wenn er wirklich der Messias ist? Was glaubt er von sich selbst? Zweimal rückt die Kamera ein an die Wand gekritzeltes Zitat von Oprah Winfrey in den Fokus: “You are what you are by what you believe.” Mein Tipp: Anschauen!